domingo, 16 de octubre de 2011

El Neoimpresionismo: el cientificismo en pintura.

El verano se extiende por todas partes, despótico, incoloro, pesado...como si un rey sin nada mejor que hacer infringiera penas de muerte, bajo el resplandor al rojo vivo del cielo que te atrapa y bosteza. Liberado, el hombre dejó el trabajo y descansó.
Paul Verlaine, Alegoría, 1884. (1).

Georges Seurat: " Baño en Asniêres". 1883-84

Esta obra fue rechazada en el Salón de 1884.
La expuso en el Salón de los Independientes, junto a otras
de un millar de artistas y donde Seurat conocería 
a Signac que lo seguiría en sus teorías.



Georges Seurat: " Baño en Asnières" . Detalle. 



George Seurat : "Baño en Asnières" .Estudio.

Georges Seurat fue el pivote sobre el que se movió el movimiento Neoimpresionista, también denominado Puntillismo o Divisionismo.Se habla de Puntillismo, cuando nos referimos a la forma en que se aplica la pintura y Divisionismo, cuando se alude a la división de los colores en sus elementos. Ambos son términos más precisos que Neoimpresionismo, un término que fue acuñado por Félix Fénèon, un crítico de arte francés.

 Paul Signac: Retrato de Felix Fénèon, 1890.

Seurat fue el grande del movimiento al que se suma Signac, como se ha comentado. Su obra partió del movimiento impresionista pero su fascinación por la luz dió una nueva dimensión a esta otra tendencia artística. Ambos partían de un conocimiento absoluto de los sistemas clásicos de proporción.
George Seurat: Pose de Perfíl, 1887


George Seurat: estudio para Las Presumidas, 1887


George Seurat: "Las Presumidas". 1888

Se apoyó en la mezcla óptica de colores, pequeños puntos de color que la retina humana debía componer y dar sentido, percibir y mezclar  Por ello, el público, a la vista de los cuadros, no debía acercarse demasiado a la obra. Esta técnica, sin embargo, hacía que los contornos se perdiesen y que las formas se fragmentasen en esos puntos de colores.  Esa fue la razón por la que éstas fueron simplificadas con líneas verticales y horizontales dejando atrás la reproducción naturalista.


George Seurat: La Torre Eiffel, 1889

Seurat, taciturno, serio, solitario y trabajador incansable, solía pasear y visitar la isla boscosa de La Grande Jatte, junto al Sena, desde la que parió uno de sus más conocidos cuadros. Murió joven y quizás hubiese preferido que su estilo se conociera como "cronoluminarismo" o " pintura en color y luz" .Sus obras, a veces, tardaban más de un año en ser acabadas.  (2)


George Seurat: " Un domingo en la Grande Jatte", 1884.
La exposición de este cuadro fue otro gran escándalo, pero en él está
definido el manifiesto de la pintura divisionista y también queda patente el método
científico perseguido por Seurat y los estudios que realizó en el campo de
la óptica y los colores. 

George Seurat: La Parade, 1888

George Seurat: La Parade, detalle. 


George Seurat: Mujer Empolvándose, 1889-90
Es uno de los pocos retratos realizados por Seurat.
Ella era su compañera Madeleine Knobloch.


George Seurat: " El Circo", 1891.

Los escritos de teóricos y de físicos fueron la base para esta tendencia: Dave, Blanc, Helmholtz, Sutter y Rood, y en especial , la doctrina de los "contrastes simultáneos" de Chevreul. Se hacía distinción entre colores primarios ( rojo, azul y amarillo) y complementarios, obtenidos de la mezcla de los anteriores. Los colores complementarios si se yuxtaponen, se potencian entre sí, mientras que si se mezclan o superponen, tienden a anularse. Esa yuxtaposición tenía que ser realizada en la retina del espectador, como se ha comentado anteriormente. 

Modern Chromatics. Libro de Ogden Rood, 1878.

 En este libro Rood,  expone sus principales ideas basadas en Maxwell y Helmholtz, que tanta influencia tuvieron entre los pintores neoimpresionistas, pero también en autores posteriores como Ostwald y Munsell.

Fuentes de esta imágen y de la posterior: Aquí 


Modern Chromatics. Libro de Ogden Rood, 1878. 


Michel Eugène Chevreul. Círculo Cromático (1864) M. C. Chevreul, Des couleurs et leurs applications aux arts industriels. A l‘aide de cercles chromatiques, París 1864
Fuente de la imágen: Aquí

Fuente de la imágen: Aquí


Munsell: "Esfera de Color", 1905

Seurat buscaba la intelectualidad en la creación del cuadro, la geometría, el canon, el análisis preciso, la racionalidad, la objetividad.  Él fue el artífice que hizo posible la disolución gradual de planos de color en partículas cada vez más minúsculas del mismo.(3)

Paul Signac. " La Vela Verde". 1904.
Signac afirmó:

" Se ha llevado a cabo un intento de obtener la riqueza del espectro lumínico solar con todos sus tonos. Un naranja que combina con el amarillo y el rojo, un violeta que tiende hacia el rojo y el azul, un verde entre el azul y el amarillo son, junto con el blanco, los únicos elementos de los neoimpresionistas. Por medio de la mezcla óptica, de estos colores puros, cuya relación mutua puede variar a voluntad, se puede obtener un número infinito de matices, desde el más brillante hasta el más gris. Cada pincelada que se toma en estado puro de la paleta permanece en estado puro en la tela".( 4).

 Paul Signac: Constantinopla

 Signac continuó la obra de su colega. A las líneas ascendentes, que significan la alegría, corresponden tintas cálidas y tonos claros; con las líneas descendentes, que expresan la tristeza, predominan las tintas frías y los tonos oscuros; un equilibrio más o menos perfecto de tintas cálidas y tintas frías, de tonos pálidos e intensos se añadirá a la calma de las líneas horizontales. (5).


Paul Signac: " Domingo". 1888-90


Paul Signac: " Mujeres en el Pozo". 1890


Paul Signac: " Puerto de Saint Tropez".1899


Paul Signac: " Gran Canal. Venecia". 1905


 Paul Signac: " El Puerto de la Rochelle". 1921.

Tal como afirma Lynton, la técnica divisionista ejerció una gran influencia en la pintura moderna, en parte gracias a la exposición que hizo Signac de las teorías y métodos del neoimpresionismo. La influencia de Seurat fue duradera pudiéndose rastrear a través de Mondrian y del constructivismo. (6)

Además de Seurat y Signac, otros muchos autores, se acercaron en algún momento al Divisionismo o Puntillismo, desde Camille Pissarro y su hijo Lucien, pasando por Van Gogh y Toulouse- Lautrec, así como, posteriormente, lo hicieron Matisse, Derain, Braque y Delaunay hacia 1905, momento en el que se crea el Fauvismo.


 Camille Pisarro


Camille Pissarro: "Recogida de la manzana en Eragni", 1888


Van Gogh: " Autorretrato". 1887-88
Fuente de la imágen: Aquí

Otros representantes de esta tendencia en Bélgica formaron el llamado Círculo de los XX, cuyos máximos expontentes fueron Theo van Rysselberghe, Georges Lemmen o Willy Finch.


Theo van Rysselberghe: Retrato de la mujer de Henry van de Velde, 1921


Georges Lemmen: " Playa en Heist", 1891-92


Willy Finch: " En el Teatro". Antes de 1930.

En Italia, Gaetano Previati, Daniele Ranzoni, Giovanni Segantini y Giusseppe Pelizza de Volpedo  utilizaron también los puntos de color al igual que hizo en Alemania, Christian Rohlfs.


Giovanni Segantini: "Vanidad". 1897


Giusseppe Pelizza de Volpedo


Christian Rohlfs: obra de 1902

Para René Huyghe, el Neoimpresionismo fue un procedimiento y , fundamentalmente, una técnica de transición de lo que quedaba por venir. (7).  Pero eso es otra historia.



Toda la obra gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons, si no ha sido así tenéis el link del que proceden. Haced click sobre ellas para ampliarlas.

En cuanto a las citas y referencias: 

1- Reichold, Klaus y Graf, Bernhard: " Pinturas que cambiaron el mundo". Ed. Electa, 2006
2-VV.AA: " Arte del Siglo XX". Ed. Taschen, 2001
3- Idem.
4- Idem.
5- Huyghe, René: " El Arte y el Hombre". Tomo III. Ed. Planeta,1974.
6- Lynton, Norbert: " Historia del Arte Moderno".Ediciones Destino,1988
7- Huyghe, René: " El Arte y el Hombre". Tomo III. Ed. Planeta, 1974
- Grimme, Karin: "Impresionismo". Ed. Taschen,2008
- El Gran Arte en la Pintura. Editorial Salvat. Volumen V,1985

domingo, 9 de octubre de 2011

Durero: el mayor artista alemán del Renacimiento.



 

Autorretrato de Durero, 1493

Núremberg, en el siglo XVI, era uno de los centros culturales más importantes del Renacimiento. El ambiente erudito y artístico de la ciudad era bullente. Allí se estudiaba geografía, astronomía, matemáticas o música. Diversos artesanos trabajaban y realizaban objetos suntuarios e instrumentos científicos con una pericia equiparable a los de cualquier otra ciudad europea.


Ciudad de Nuremberg : Schedel'schen Weltchronik,1493

Este sería el lugar en el que recalaría la familia, procedente de Hungría, del que llegaría a convertirse en uno de los más importantes artistas del Renacimiento europeo: Albrecht Dürer o Alberto Durero (Nuremberg, 1471-1528) que comienza a interesarse por el arte, tempranamente, en el taller de orfebrería de su padre.
 

 Durero: Diseño de un Cáliz, 1515


Durero: seis copas, primera mitad del S. XVI

El Renacimiento

Concepto:

Por Renacimiento, debemos entender, un fenómeno cultural que, con centro en el norte de Italia a finales del XIV, se extenderá al resto de Europa en el XVI. Supuso retomar la cultura clásica actualizándola, estudiándola de manera científica y racional. Los esquemas medievales, que supeditaban el arte a la religión y a una finalidad didáctica, son superados. El hombre se convierte en el centro de todas las cosas, un antropocentrismo que dejará atrás el teocentrismo medieval.


 Leonardo da Vinci: El Hombre Vitruviano o Canon de las proporciones humanas,   cerca de 1490
Fuente de la imágen:  Wikimedia Commons: Luc Viatour / www.Lucnix.be 

Además de este cambio de mentalidad, a lo largo del siglo XV, la civilización europea entra en un largo proceso de expansión, con profundas transformaciones en el ámbito social, económico y político que cristalizarán en el movimiento del que venimos hablando.

Los precedentes de este cambio de mentalidad fueron los poetas italianos del s. XIV, Petrarca y Bocaccio, que sientan las bases de esa nueva actitud que conducirá al Humanismo y, posteriormente, aparecerán figuras como Maquiavelo, Copérnico o Erasmo de Rotterdam. 


Durero: Erasmo de Rotterdam, 1526

Los nuevos avances científicos y técnicos alimentarán el espíritu de progreso de la humanidad y el afán del saber alejado de la fe. Los príncipes, nobles y ricos burgueses, descubren el placer del arte y de la cultura y el conocimiento real de las cosas se basará en el método científico.

Resumiendo:

El arte será parte esencial del pensamiento humanista que se fundamentará en :

- la creación de un nuevo lenguaje artístico, fundado en el arte clásico. El hombre será la medida de todas las cosas y la perspectiva permitirá el control racional del mundo que nos rodea.

Walther Hermann Ryff, 1547
Fuente: Aquí


Piero de la Francesca: La ciudad ideal, 1470

- Se valorará la personalidad individual de forma que la actividad artística deja de ser entendida como un oficio para convertirse en una ciencia y un arte. La concepción del creador cambia, ya no es un mero artesano, es un artista.

- Siendo, fundamentalmente, en fenómeno nacional, en el s. XVI, una vez consolidado en Italia, se proyecta por toda Europa.

Este el contexto en el que hay que entender la obra de Durero. 

El Renacimiento en el Mundo Germánico:

En el mundo germánico, en los cuarenta primeros años del S. XVI, se vive un momento difícil. A los problemas políticos con el Emperador Carlos V, se le unen las revueltas campesinas y el problema de la Reforma religiosa, que condicionará el mundo del arte ya que los artistas perderán una de las mayores fuentes de encargos de imágenes religiosas representando a cambio retratos ( Holbein) o cuadros para una clientela privada de pequeño formato como hará Cranach. 


Hans Holbein: Sir Thomas More, 1527


Hans Holbein: retrato del astrónomo
Nikolaus Kratzer, 1528


Lucas Cranach: Christiana Eulenau, 1534


Lucas Cranach: Phillip Melanchthon.

Artísticamente, la cultura germánica tenía una fuerte influencia de la flamenca ( Robert Campin, van Eyck y van der Weyden) . Eran conservadores. En la obra de Durero se rastrea el peso del mundo medieval gótico, pero él fue más allá, porque lo conectará con las inquietudes de los teóricos italianos.

Robert Campin: Altar del matrimonio de la Virgen


Van Eyck: Retablo de Gante, 1432


Van der Weyden: Tríptico de la Anunciación, 1440

Se preocupará por la belleza del cuerpo humano, por la teoría de las proporciones, de las medidas, por la geometría que entendía fundamental para comprender el arte renacentista y clásico. Mantendrá relaciones con Federico el Sabio y otros humanistas, entre los que se encuentra el humanista Pirckheimer quien costeará algunos de sus viajes, fundamentales para su formación como artista.


Durero: autorretrato de Willibald Pirckheimer, 1524

 Estuvo en Basilea; en Colmar para conocer al pintor y grabador más importante del momento, Schongauer, que ya había muerto pero cuya obra fue una de los puntos de partida de la obra de Durero; en Estrasburgo, en donde realiza las ilustraciones de la que es considerada la obra maestra del escritor Sebastian Brant, "Das Narrenschiff", en la que critica la debilidad y la locura de sus contemporáneos, tal como hiciera Erasmo en 1494, y que fue traducida en 1507, como "La Nave de los Locos"; en Italia en donde conoce a Bellini y, atravesando los Alpes, realiza sus acuarelas paisajísticas.

Durero: ilustración para la cubierta de "Das Narrenschiff"


Durero: Willow Mill, 1496-98. Acuarela


Durero: Paisaje cerca de Segonzano, 1495, acuarela.

En este momento ya se ha autorretratado varias veces pero no como ejercicio de egolatría si no como ejercicio de ejecución y estudio. 


Durero: Autorretrato, 1498. Museo del Prado.  


Autorretrato de la Alte Pinakothek de Múnich- 1500

Tras este período de estudio y viaje, regresa a Nuremberg y abre su propio taller realizando las primeras grandes series de xilografías, La Gran Pasión y el Apocalípsis, que serán los pilares de su fama hasta el final de sus días.


Durero: La Gran Pasión, 1510


Durero: Los Cuatro Jinetes, 1497-98
Fuente de la imágen: Aquí

Hay que recordar que Durero comenzó a trabajar como aprendiz de grabador en el taller de Michael Wolgemut, uno de los más importantes de este momento, en el que se llevaron a cabo las xilografías para la Crónica de Nuremberg (Schedelsche Weltchronik), de 1493, de Hartmann Schedel,considerado uno de los libros incunables más valorados de Europa y que narra la historia de la Humanidad, tal como la relata la Biblia. 


Durero: Crónica de Nuremberg, de Hartmann Schedel, 1493


Durero: Crónica de Nuremberg,  de Hartmann Schedel, 1493

Probablemente, nuestro autor, aprendió mucho en ese momento, y de hecho, su obra como grabador es tan importante como la pictórica.

Durero: La Geometría y las Matemáticas.

El arte de Durero reflejará su enorme facilidad para el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Nos legó una gran cantidad de obra: 350 grabados en madera y cobre, casi mil dibujos, acuarelas y óleos.



 En todos ellos, nos muestra el interés que tenía por la geometría y por las matemáticas, recogiendo las especulaciones teóricas de los grandes del Renacimiento italiano, en concreto, de la obra de Leonardo da Vinci, a quien no llegó a conocer, pero del que aplicará de forma rigurosa su sistema de proporciones a sus figuras a partir de 1506.


Durero: Mapa del cielo

El interés por la geometría y el estudio de lo representado hizo que Durero tomase notas e hiciese dibujos para los cuatro libros que conforman su tratado más conocido: " Tratado de las Proporciones del Cuerpo Humano".




Durero: Figura de mujer.

Partirá del tratado de Vitruvio " De Architectura"; también de Euclides, así como de los trabajos matemáticos de Alberti y Pacioli. El libro de éste último ( 1509) fue ilustrado por Leonardo con cuerpos geométricos en esqueleto que tuvieron un gran impacto ya que fueron las primeras representaciones de este tipo que permitieron ver la parte frontal y trasera de los elementos representados y que sirvió de base a Fra Giovanni de Verona para realizar intarsias, mosaicos hechos de madera, utilizando estos cuerpos.


Leonardo da Vinci : Poliedro para el libro de Pacioli



Fra Giovanni di Verona: Intarsia

También dió forma a sus teorías en "Instrucciones sobre la manera de medir con el compás y la escuadra en las líneas, los planos y los cuerpos sólidos" que se convirtió en uno de los primeros libros sobre matemáticas escrito en alemán (1525) o "La teoría de la fortificación de las ciudades, los castillos y los burgos" ( 1528), textos que, realizados para ayudar a los artistas de la época para orientarlos en la representación perspectiva, no tuvieron todo el eco que Durero quiso, ya que sus contemporáneos, se fijaron más en los grabados del artista.



Durero se quejaba de que había demasiados artistas ignorantes de la geometría " sin la cual uno no puede ser o convertirse en un artista absoluto".(1)


Durero: Instrucciones sobre la manera de medir
con el compás y la escuadra en las líneas, 
los planos y los cuerpos sólidos, 1525





En esta obra Durero muestra cómo trazar con regla y compás algunas espirales y entre ellas una que pasará a la historia con su nombre: la Espiral de Durero.

Como todos sus contemporáneos italianos, Durero pretendía elevar la categoría del artista que ya no es un simple artesano si no un intelectual. 

Sus grabados


Excelente pintor y dibujante, realizó numerosos grabados xilográficos descubriendo en ellos, y en la invención de la imprenta, la posibilidad de multiplicar sus trabajo.


 Durero: Cabeza de un Negro, 1508


Durero: Cabeza de un Apostol, 1508

Durero va a colaborar con el emperador Maximiliano I creando toda una iconografía del poder, quizás la  más potente de toda la historia, a través de programas artísticos como el Carro triunfal, el Arco de triunfo o la ilustración de libros como el Weisskunig o el Theuerdank, que culminan en el retrato de Maximiliano I, tal como afirma Checa Cremades.( 2). 


Durero: El Gran Carro Triunfal, 1518-19


Durero: El Pequeño Carro Triunfal, cerca de 1518


Durero: El Pequeño Carro Triunfal, 1518


Durero: Retrato del Emperador Maximiliano, cerca de 1518.

Para Checa, la culminación de la obra grabada la constituyen sus llamadas " tres estampas maestras":

- El caballero, la muerte y el diablo ( 1513): una de las mejores imágenes del caballero cristiano, el miles christi, un tipo humano y cultural clave para el humanismo crisitiano, cuyo mejor representante fue Erasmo.


Durero: El Caballero, la Muerte y el Diablo, 1513


Durero: El Caballero, la Muerte y el Diablo, detalle.

- San Jerónimo ( 1514):  mejor representación del intelectual cristiano de este momento


Durero: San Jerónimo en su estudio, 1514

- Melancolía I:  una de las más célebres imágenes de la historia, Durero aporta su idea del artista como personaje melancólico absorto en profundas e intelectuales cavilaciones.(3)


Durero: Melancholia I, 1514
Aguafuerte sobre cobre.

Se ha dicho que este grabado Durero lo realizó tras la muerte de su madre tras invadirlo un enorrme sentimiento de melancolía. (4) 


Durero: retrato de su madre a los 63 años.

Mucho se ha escrito sobre este grabado tratando de desentrañar el significado de los innumerables símbolos que en él aparecen.

 La figura central con alas tiene un compás abierto para medir. El cazo al fuego y la balanza se cree que representa la alquimia. 

 Durero: Melancholia, detalle
.
Hay un cuadrado mágico ( inclusión influída, quizás,  por Pacioli) en la parte superior derecha, en el que cada fila, columna y diagonal, los cuatro números centrales y los números de las cuatro esquinas suman 34. Las entradas de la última fila dan como resultado 1514, la fecha del grabado. 

Durero: Melancholia I, detalle: Cuadrado Mágico

Figuras geométricas, llaves, murciélago, mar... son representaciones de la melancolía vinculada a Saturno que envuelve al artista mientras el tiempo ( el reloj de arena de la parte superior), continúa su avance.


Durero: Melancholia I, detalle. 

Numerosos estudios han intentado, igualmente, desentrañar el significado del sólido que aparece a la izquierda del grabado. La mayor parte de los investigadores creen que es un romboedro (sólido de seis caras con cada una de ellas en forma de rombo) truncado para que pueda ser circunscrito a una esfera. Su parte frontal encaja dentro del cuadrado mágico. (5) 

Durero: detalle de Melancholia I

Fuente de la imágen: Aquí

La Naturaleza en Durero


Además de toda esta obra, Durero sintió verdadera curiosidad por la Naturaleza, mirándola con ojos científicos. Seres vivos, animales, a veces exóticos (como su maravilloso rinoceronte), vegetales, fueron reproducidos por él, con rigor y realismo, como si de un zoólogo se tratase. 


Durero: Iris, 1503


Durero: La Hierba alta, 1503


Durero: Liebre, 1502


Durero: Lechuza, 1506




Durero: Cangrejo, 1495


Durero: Morsa, 1521


Durero: Ala azul, 1512


Durero: León, 1494


Durero: Rinoceronte, 1515

Durero: El Gran Caballo, 1505

Por último diremos que, como afirma Víctor Gallego, Durero se vió impregnado de una fuerte religiosidad que lo hizo seguir el movimiento de la Reforma. Ya hemos hecho referencia a su cercanía a Erasmo de Rotterdam, humanista, precursor que critica los males de la Iglesia antes que Lutero.


 Durero: Natividad, 1504

De igual forma, Durero se hace eco de las opiniones vertidas por Melanchthon, y sin duda leyó uno de los libros más importantes del ámbito cristiano: "Imitación de Cristo" de Tomás de Kempis, relacionado con el movimiento renovador de la Devotio Moderna.


Durero: Phillip Melanchthon, 1516

Durero: Cristo delante de Caifás, 1504

De esta manera fue capaz de realizar grabados de temática religiosa con la misma pasión y maravillosa creatividad que utilizará para sus óleos y acuarelas.


Durero. Flagelación, 1512


Durero: San Jerónimo Penitente en el desierto, 1496

Durero fue un creador genial, un hombre de su tiempo, intelectual preocupado por el mundo que le tocó vivir,un geómetra y matemático que tuvo una influencia fundamental en la creatividad de los artistas del Norte de Europa.


Durero: Tres puttis con trompetas, escudo y casco, 1501


Durero: Las Cuatro Brujas, 1497


Durero: El Monstruo del Mar, 1498


Durero: Némesis o La Buena Fortuna, 1502

Monograma de Alberto Durero

Toda la fuente gráfica ha sido extraída de Wikimedia Commons.En algunas obras, en concreto, he puesto el link directo. Haced click para agrandar las imágenes. 

En cuanto a las citas y obras de referencia

1. Livio, Mario: " La Proporción Áurea". Ed. Ariel, 2008
2. Checa Cremades: artículo en Museo del Prado: Aquí
3. Idem.
4. Livio, Mario: "La Proporción Áurea".
5. Idem
- Klibansky, Panofsky, Saxl: Saturno y la melancolía. Ed. Alianza Forma. 1991
- El Gran Arte: Pintura. Ed. Salvat. Tomo II : Renacimiento.