jueves, 28 de agosto de 2014

Federico Beltrán Masses y el Color de los Dulces Sueños



Federico Beltrán Masses: Las Ibéricas, 1924

El color de los dulces sueños fue el azul , "el color simbólico por excelencia, inspirador de Rubén Darío y símbolo colorista del arte mallarmiano" (1) Además de las telas azules, los óleos de Federico Beltrán serán elegantes y realizados con una técnica perfecta. 


Federico Beltrán Masses: Oillets Rouges


Federico Beltrán Masses: Granadas, 1929

Federico Beltrán Masses ( 1885, Guaira de Melena, Cuba - 1949, Barcelona, España) se movió entre el Simbolismo en la captación de una mujer sensual y arrebatadora, el Modernismo y el Art Decó; entre la pintura de un Anglada Camarasa o un Sert, la paleta de un Sorolla ( que fue su maestro) o el barroquismo de un Zuloaga. En su obra nos muestra un mundo de lujo, de ostentación, de artificio, de mujeres que , vestidas con trajes sensuales o directamente desnudas, están cargadas de sensualidad y erotismo.


Federico Beltrán Masses


Federico Beltrán Masses: Uno para todas

 Hay en su obra también el tópico de la maja española pero renovada, ya que el deseo español tras el desastre de 1898 buscaba plasmar una nueva españolidad:  primero, adoptando las características del  simbolismo europeo del momento que la burguesía catalana, por ejemplo, va a utilizar para calmar sus ansias de modernidad y segundo, mezclando ese simbolismo, con las grandes corrientes nacionales como el tradicionalismo y el regionalismo. De ahí, el eclecticismo hispano (2)


 Federico Beltrán Masses: La Maja Maldita, 1918


Federico Beltrán Masses: Mujer con chal español, 1925


Federico Beltrán Masses: La Maja Marquesa, 1915

La exposición de esta obra ( La Maja Marquesa) fue un auténtico escándalo. Muchos fueron los textos a favor y en contra del cuadro en el que se observa una mujer desnuda entre otras dos vestidas. El crítico de arte José Francés escondido tras el seudónimo de Silvio Lago, personaje principal de La Quimera de Pardo Bazán, exaltará en sus artículos a Moreau, Beardsley, Burne-Jones o William Morris., pero también fue el que hizo la más encendida defensa de Beltrán en la revista La Esfera, el 2 de octubre de 1915 refiriéndose a la obra, a su obra total,  diciendo:

" ( La obra de Beltrán)...Es una exaltación de paganía y refinado intelectualismo. (...) Este joven maestro del arte español actual (...) nos libera de la vulgaridad cotidiana....Se le adivina la complacencia con que pinta y la deliciosa tortura con que piensa. (...) No parece un pintor español Ferderico Beltrán, pues no hallamos en él la tradición pesimista, seca, grave, austera- en el sentido de una austeridad enfermiza- que nos legaron nuestros pintores del siglo XVII, y que siguen considerando aún como únicas normas de belleza algunos de los artistas contemporáneos. (...) En Federico Beltrán se encuentra precisamente todo lo contrario: exaltación optimista, sensual complacencia de interepretar desnudos y paisajes espléndidos, y telas y joyas, y cielos encantados por la magia azul de las noches serenas".(3)


Federico Beltrán Masses: Salomé, 1932


 Federico Beltrán Masses: Tanagra, 1914


Federico Beltrán Masses: El Rubí, 1929

Sumemos a estos personajes que llenan sus telas a personajes que sostendrán iconografías de la literatura oriental, o de la mitología griega, de la Biblia. Cuando vaya a París y a Venecia la alta burguesía, las gentes procedentes del cine, de la aristocracia, querrán ser pintados por él, lo que lo hace entroncar directamente con el que fue considerado como el pintor de la jet set del momento, Kees van Dongen, de quien tenéis una entrada en este espacio referido al Fauvismo, o un poco más atrás en el tiempo el llamado " el pintor de las señoras" , Giovanni Boldini que pintó con exquisited a las damas de la alta sociedad de su tiempo.


Federico Beltrán Masses


 Federico Beltrán Masses: Lady Rothschild vestida de princesa egipcia


Federico Beltrán Masses: Marquesa Luisa Casatti, 1920
 

Federico Beltrán Masses: Lady Wellington Koo, 1934

Fue, pues, un cronista de la época y reyes como Alfonso XIII  o el rey Jorge VI de Inglaterra, los marajás de Kapurtala, actores o actrices- Rodolfo Valentino y Pola Negri o Joan Crawford -la marquesa Luisa Casatti,  fueron pintados por él, además de miembros de famosas sagas adineradas americanas como los Rothschild, los Morgan o los Forbes, así como lo miembros de los ballets rusos de Diaghilev y los escenarios de lejanas civilizaciones salidos de la pluma de Leon Bakst


Federico Beltrán Masses: Retrato de la bailarina Alicia Nikitina, 1929


 Federico Beltrán Masses: Valentino, el Halcón Negro, 1925


Federico Beltrán Masses: Pola Negri y Valentino

Finalmente, comentaremos que tuvo un éxito inmediato entre la alta sociedad, que comienza a viajar como se ha comentado, que lo equiparan a un nuevo Zuloaga o a un Goya y que como comenta Manuel Mujeriego, esa faceta de pintor de buenas relaciones, mercantilista, que tiene contactos y que conoce a lo más granado de la sociedad le siguió toda su vida. Sin embargo, también  aparecen las críticas en los años 20' en el que se habla de él como el pintor que muestra " la decadencia de la decadencia". (4)


Federico Beltrán Masses: Las Perlas, 1934

A finales de los años 40' , sus cuadros ya dejan de tener sentido en una España que está pergeñando el "Dau al Set", siendo sustentado por el régimen para mostrar al mundo la "modernidad" española. 


Federico Beltrán Masses en su estudio

"Pinta Federico Beltrán como si soñara después de amar la vida" (5)

La obra gráfica de esta entrada ha sido recabada de multitud de sitios en la red con el único deseo de mostrar la obra de este pintor.

Se recomienda la visita a su página : http://www.beltranmasses.com/

 En cuanto a las obras de referencia y las citas fundamentalmente se han  utilizado tres textos: 

-Cita nº 5- pág 22 en http://ddd.uab.cat/pub/llibres/1923/60008/fedbelmas_a1923.pdf      . Texto de José Francés sobre la obra de Beltrán que pertenece al depósito documental de la Universidad Autónoma de Barcelona.
1- pag.8
2- pág.2-3
3- pág.20-21
4-pág.28- Crítica de José Carlos Mariategui

martes, 19 de agosto de 2014

La Fantasía y El Exotismo en Kay Nielsen



El danés Kay Nielsen ( Copenhague 1886-1957) fue un ilustrador que incorporó a su obra, a comienzos del siglo XX, inluencias de Beardsley, del prerrafaelita Burne Jones y del arte japonés que en aquel momento estaba cuajando en el arte occidental. Además era el momento de eclosión del Art Nouveau. Con todas estas referencias no es de extrañar que la obra de Nielsen sea exótica y preciosista en la que la valoración del color brillante y vibrante así como la línea incurvada son dos de sus mayores y especiales características.




Puso ilustraciones a "Al este y al oeste de la luna. Antiguos cuentos nórdicos" escrito por Gudrun Thorne- Thomsen y editado en 1914, pero en ese año la Gran Guerra paralizará su trabajo, hasta que pasados diez años más,  lo continúa poniendo imágenes a obras de Hans Christian Andersen, o a las historias de Las Mil y Una Noches, hasta que entra en nómina para la Walt Disney Productions diseñando escenas para clásicos como "Fantasía" o "La Sirenita".




Sin embargo, su trabajo en la productora sólo duró cuatro años ( 1937-1941). Después de viajar a París y a Estados Unidos, murió en  1957 en la tierra que lo vió nacer, en la más absoluta pobreza.



Toda la obra gráfica ha sido extraída de WikiArt

Texto Vía Odisea 2008 en donde podréis encontrar más imágenes e incluso enlaces a las obras de Nielsen.

domingo, 17 de agosto de 2014

Edward Steichen, el Cine y el Retrato



Autorretrato de Edward Steichen, 1929

"Steichen pertenece a esa exigua élite de fotógrafos que supo elevar los retratos de los famosos del estatus de la publicidad a un género único dotado de una estética sofisticada" (1)


Merle Oberon


Anna Way Wong, Vanity Fair 1931

En 2008 tuvo lugar en España la primera gran retrospectiva del que está considerado como una de las figuras más influyentes de la historia de la fotografía. Se hizo en el Museo Reina Sofía y reunió más de 300 fotografías del autor.


Margaret Horan vestida por 
el diseñador Jay- Thorpe, 1935


Anita Chace, 1925

El trabajo de Edward Steichen ( Luxemburgo, 1879- EEUU, 1973) pasó por tres etapas diferenciadas: el pictorialismo hasta la I Guerra Mundial en el que se centró en desnudos, retratos y paisajes; el período de entreguerras en el que su obra muestra la era industrial y el momento en el que hace grandes exposiciones tras la II Guerra Mundial. ( 2)


Therese Duncan en la Acrópolis, 1921


Lillian Gish

Cercano a Alfred Stieglitz en sus comienzos, ambos abren la galería Gallery 291 en donde muestran al público americano el arte europeo. 



 Estudio de Brancusi


Matisse trabajando

 Luego siendo fotógrafo jefe en Vogue y Vanity Fair hará maravillosas fotografías que son las que, fundamentalmente, se muestran en esta entrada. No sólo de las modelos llevando los trajes de alta costura de Patou, Lanvin, Poiret, Schiaparelli, Cartier o Chanel, sino a actrices y actores de la época dorada de Hollywood, hombres y mujeres que marcaron toda un momento lleno de glamour y cuyas imágenes pertenecen ya al imaginario colectivo.  Será denominado como el fotógrafo que hacía "retratos de un estilo de vida" ( 3) 

 Cary Grant


Gloria Swanson


Charles Chaplin

Jean Harlow

Tras la II Guerra Mundial, será nombrado director del Departamento de Fotografía del MOMA de Nueva York y en 1955,llevará a cabo una de las mayores exposiciones de fotografía que existió nunca. La llamó "La Familia del Hombre" y pretendía mostrar la singularidad del ser humano y de la cultura del mismo. La exposición consiguió cifras de escándalo en cuanto a número de asistentes, de fotos expuestas, de creadores....Fue itinerante y actualmente forma parte del Programa Memoria del Mundo  de la Unesco que intenta preservar y tener acceso al patrimonio histórico documental de los pueblos del mundo.


Louise Brooks

Fred Astaire


Martha Graham

Gary Cooper

Dejemos para otro momento la visión de todas las fotografías que realizó  durante las dos Guerras Mundiales, de otras modelos que sin ser conocidas trabajaron para Vogue o Vanity Fair. Dejemos atrás su etapa pictorialista y la de la loa a la máquina como hiciera Edward Weston en su momento. Dejemos también para otra entrada la incursión que hizo en la pintura y que generó en algunos colegas suyos críticas voraces. Que quede en nuestras retinas el momento de mayor esplendor de una etapa del cine que ya no existe y que para muchos, por edad, forma parte de nuestras vidas, de nuestras infancias, a través de las fotografías del que se llegó a tener como uno de los más importantes fotógrafos de todos los tiempos .


Touch, 1934


Gloria Swanson, 1924

La obra gráfica de esta entrada ha sido extraída de varias páginas con la única intención de dar a conocer el trabajo de este fantástico fotógrafo: Wikimedia Commons, ,Aquí  y Aquí.

En cuanto al texto de referencia y las citas, se ha utilizado fundamentalmente un texto del Museo del Traje , así como el texto, muy interesante, realizado como dossier para una exposición del autor como fotógrafo de moda, al que pertenecen también las citas: Aquí
1- Todd Brandon citado : Aquí
2 y 3: Idem.



domingo, 10 de agosto de 2014

La Pintura de Fatima Ronquillo



La pintora Fátima Ronquillo nació en Filipinas pero vive en Estados Unidos desde que era una niña.Muestra en su trabajo actual un extraordinario conocimiento de los grandes maestros ( ella cita como influencias a Tiziano, Bellini, Watteau o Poussin) remitiendo a ellos en la elaboración de sus óleos pero mezclándolos con un cierto realismo mágico proveniente de las tradiciones coloniales latinoamericanas.

Todos los objetos que aparecen en sus cuadros tienen una determinada símbología: máscaras que ocultan, corazones, manos, cuerpos asaeteados mostrando la dicotomía del amor que es placer pero que también puede ser dolor, animales que son alter egos o que hacen referencia a lo salvaje que cada uno de nosotros tenemos dentro....Y sobre todo los ojos de amante que recrea una y otra vez.





  Para ella, estos ojos, son: 

" un símbolo del amor, de la ausencia, los secretos y la nostalgia. ( La imagen de un ojo de amante)... Es maravillosamente surrealista y a la vez dota de un contexto a un ojo que se muestra sólo, flotante, como desmembrado: ( es) un retrato dentro de un retrato" (1)

Las exquisitas miniaturas de "ojo de amante" o "retratos de un solo ojo" se pusieron de moda entre el siglo XVIII y el XIX, en Inglaterra y Francia o Rusia y Estados Unidos. A través de ellos,los amantes se recordaban pero posteriormente fueron objetos dados entre las mujeres de la familia o como joyas de luto. Si queréis saber más sobre estas bellas piezas podéis consultar la entrada específica que se realizó en este blog ( Aquí).


 Fascinada, pues, por ellos, Fátima Ronquillo lleva a cabo una pintura muy especial, serena,tranquila utilizando a menudo colores cálidos, con brocados y turbantes, con paisajes que hacen la función de atrezzos de vánitas o bodegones,de animales o flores, de pequeños infantes, de mujeres misteriosas y de pequeños cupidos que muy a menudo portan de múltiples maneras esos "retratos de un solo ojo" y que nos retrotraen a la pintura de los antiguos maestros del Renacimiento y del Barroco. 


 Toda la obra ha sido extraída de la página web de la autora con su permiso expreso. Podéis visitarla para conocer más su pintura así como su facebook de donde se han extraído las ideas para elaborar la entrada. En cuanto a la cita Aquí

¡ Muchas gracias Fátima!
Thanks a lot Fatima!