jueves, 28 de marzo de 2013

El Flamenco Petrus Christus




Petrus Christus: Retrato de una dama joven, hacia 1470

Giorgio Vasari (1511-1574) que fue el primer historiador del arte italiano nos dice en su libro, "Le vite de più eccellenti architettori, pittori e scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, descritte in lingua toscana da Giorgio Vasari pittore aretino. Con una sua utile e necessaria introduzzione e le arti loro" ( Vidas de los célebres arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestro tiempo, escritas en lengua toscana por Giorgio Vasari, pintor aretino. Con una útil y necesaria introducción) , que fue Jan van Eyck ( 1390-1441) quien descubrió la pintura al óleo. Este descubrimiento no fue baladí y aunque hoy se sabe que esta técnica ya era conocida en la antigüedad, fue en la transición del siglo XIV al XV cuando adquiere de manos de los flamencos una utilización de tal maestría y finura que hizo posible crear obras maravillosas que revolucionarían la pintura. 


Roger Van Der Weyden: Retrato de una mujer, 1460



La pintura al óleo consistía en diluir pigmentos molidos en aceites secantes ( linaza, nuez, adormidera, trementina) lo que permitía lograr una superficie brillante, luminosa con gradaciones tonales que serían propias de las tablas de los Primitivos Flamencos: Van Eyck, ya citado y Roger Van der Weyden.


Petrus Christus: San Eligio como orfebre, 1449
Puede observarse, en la cinta que está sobre la mesa, la creación de un trampantojo


Petrus Christus: San Eligio como orfebre, 1449, detalle
En este detalle Petrus Christus hace un guiño a su maestro Van Eyck colocando ese espejo
que nos muestra a dos personajes contemplando la  escena situados en la calle, fuera de la escena principal


Petrus Christus: San Eligio como orfebre, 1449, detalle
Finura y detallismo absoluto en las piedras preciosas, los anillos, cuentas,
coral y otras joyas 


Petrus Christus: San Eligio como orfebre, 1449, detalle
Doble retrato de dos futuros esposos que probablemente estén comprando el anillo de compromiso
San Eligio era el patrón de los plateros y joyeros.

Ambos autores marcarán la transición hacia el Renacimiento desde el Gótico no sólo por esta novedad técnica de utilización del óleo si no también por valores formales como el detallismo, la representación naturalista de la realidad y el estudio de la perspectiva lineal, cuestiones que forman parte de la manera de pintar de Christus.


Petrus Christus: La Virgen con el niño, 1460-65
La pared de nuestra derecha, que continúa tras la arcada, no está bien resuelta
sin embargo el desarrollo de la perspectiva lineal es clara.

En la obra de nuestro autor, Petrus Christus ( Baerle hacia 1415- Brujas 1472/73) se rastrean influencias de la obra de van der Weyden y, sobre todo ,de Van Eyck del que se dice que Christus fue discípulo. Nuestro autor firmaba y fechaba sus obras como había hecho el maestro y terminó varias de su autoría que habían quedado incompletas.


Petrus Christus: Retrato de Edouard Grimston, 1446

Sus cuadros, tanto de temática religiosa como profana, están cargados de sencillez y de simplicidad. Geométricos en composición, son delicados y elegantes y en sus retratos, por primera vez, situará las figura en un espacio interior concreto.  


Petrus Christus: Un Donante, 1450.


Petrus Christus: Una donante, 1450


Petrus Christus: Retrato de un monje cartujo, 1446. El monje está en una habitación .
De nuevo, coloca un marco en trampantojo y en el que
¿podéis ver una mosca ?


Toda la obra gráfica ha sido extraída de distintas páginas web fundamentalmente Wikimedia Commons , y Aquí

En cuanto a la obra de referencia: 

Stukenbrock y Töpper: 1000 obras maestras de la pintura europea, del siglo XIII al XIX. Edit. Könemann.

martes, 19 de marzo de 2013

Los Caballitos de Madera de Dick Ket




Para ubicar la obra de este autor tenéis la entrada de Pyke Koch , en este mismo blog, cuyo contexto histórico os llevaría al Realismo Mágico, movimiento en el que ambos autores compartieron una exposición que tenía por objeto mostrar la obra que recogía la denominación que " fue usada por el crítico de arte Franz Roh para describir una pintura que mostraba una realidad alterada y que posteriormente fue utilizada por el venezolano Arturo Uslar- Pietri para describir el trabajo de ciertos escritores latinoamericanos" (1) cuyo mejor y más conocido exponente sería el autor de " Cien años de Soledad", Gabriel García Márquez, entre otros.


 


El holandés Dick Ket ( 1902-1940) nació con una enfermedad congénita denominada Tetralogía de Fallot que afectaba gravísimamente a su corazón. Además tenía otra patología que malformaba sus dedos y que reflejó claramente en sus retratos. Su frágil salud, lo hizo recluirse en su hogar, en el pequeño mundo que lo rodeaba para poder crear unos muy interesantes lienzos, fundamental y únicamente autorretratos y naturalezas muertas.  




 
Se dice que sus influencias fueron los Impresionistas al principio de su carrera,  la Nueva Objetividad, el cubismo latente en la obra de Cassandre y finalmente el Realismo Mágico, pasando también por los Primitivos Flamencos, a los que revisitó en la simplicidad de sus cuadros.  
 





 
 A mí me ha impresionado de forma clara . Me pregunto el por qué de esa querencia por las marionetas con forma de caballitos de madera...







1- http://arttattler.com/archivedutchrealism.html

Toda la obra gráfica ha sido extraída de diversas páginas a las que remito al pie de las fotografías.

sábado, 9 de marzo de 2013

Las abigarradas historias de Kris Kuksi




Se dice de él que es un maestro que da entrada en su obra al Barroco más profusamente ornamentado. Que su obra escultórica guarda una estricta simetría en la forma . Que los materiales que utiliza son el plástico, piezas mecánicas o de madera.



Este estadounidense (1973) me ha dejado perpleja con la plasmación de todo un mundo que recrea manipulando de forma meticulosa y detallista miles de piezas individuales como soldados de plástico, extraños ingenios y todo tipo de criaturas, ensamblándolas  hasta dar por finalizada una obra. De nuevo, nos encontramos con alguien que conoce el mundo de la Historia del Arte y que, claramente, lo revisita en determinadas iconografías.







Jean Dominique Ingres: La Fuente, 1856















No sólo crea estas esculturas microcósmicas, también utiliza la pintura y el dibujo como vehículos de expresión.




Ámbar en blanco y negro


 Os recomiendo que visitéis la página del autor ( Aquí)  donde encontraréis toda su maravillosa obra. 

Otras páginas que he consultado y de donde he extraído la obra gráfica: Aquí, donde podréis leer una entrevista al autor,  Aquí y Aquí.

La única intención de esta entrada es la de dar a conocer el trabajo de este magnífico y especial autor sin ninguna otra espuria intención.

Haced click sobre las imágenes para ampliarlas y poder ver algo más en detalle las imágenes.

domingo, 3 de marzo de 2013

Verner Panton- La Provocación Como Premisa




"En las guarderías se aprende a amar y a usar los colores. Más tarde, en el colegio y en la vida, uno aprende algo llamado gusto. Para la mayoría de la gente esto quiere decir limitación al uso de los colores".
Verner Panton. (1)


  El danés Verner Panton (1926-1998) fue uno de los más influyentes creadores  de los años sesenta del siglo XX:  diseñador, arquitecto y artista gráfico fue un auténtico provocador que rompió con la tradición creativa de los países nórdicos, austera y monocromática, para dar entrada en su obra a otros materiales como el plástico, creando a través de formas geométricas y con un colorido que nunca había sido utilizado hasta ese momento.



Rosas, rojos, amarillos, azules, colores primarios que tiñeron como en una explosión cromática todo tipo de mobiliario proyectando su forma optimista de ver el mundo. Un mobiliario que treinta años después se ha reeditado y se sigue produciendo y comprando.  




De la colaboración con Arne Jacobsen salió la famosa silla Ant de principios de los cincuenta.  



Posteriormente creó casas tremendamente innovadoras : desde una plegable, hasta la casa de Cartón o la de Plástico. También alfombras, tejidos, lámparas y sobre todo sus sillas que le dieron un gran reconocimiento: la Cone (1958), la Heart (1959), llegando al culmen con la creación de la silla Panton ( 1959-60) hecha de una sola pieza y un único material  y moldeada por inyección. (2)





Silla Heart


Sillas Panton

Posteriormente, diseñó instalaciones psicodélicas para diversas exposiciones que tuvieron lugar en Colonia en 1968 y 1970 en donde, una vez más, utilizó formas diferentes y colores combinados de formas chocantes para el momento. 


Visiona II, Colonia 1970


Fuente de estas dos últimas: Aquí

 Living Tower- Escultura Orgánica






Podemos decir que en algunos de sus diseños de los años setenta se vió influído por el Op-Art y sus formas y del cual, tenéis una entrada en este blog.





 Fue y es tremendamente contemporáneo.


Interior de la iglesia de San Bartolomé en Chodovice ( República Checa) 
con las sillas Panton

Toda la obra gráfica ha sido extraída de varias páginas web, a algunas de las cuales hago referencia al pie de la fotografía. Las demás : Aquí, Aquí  ( en donde encontraréis más imágenes de interiores maravillosos) y Aquí.  

En cuanto a las citas y obra de referencia: 

1- Artículo del periódico "El País" : Aquí.
2- Fiell , Charlotte & Peter: Diseño del Siglo XX. Edit. Taschen. Icons, 2001. Pág. 132. 
- Otra serie de artículos de "El País": Aquí.